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Festival Internacional de Las Artes y La Cultura de Castilla Y León

del 22 al 26 de Septiembre. Salamanca

martes, 22 de septiembre de 2020

FACYL 2020 contará con dos bloques de programación, FACYL EN VIVO (con programación musical, de artes escénicas, talleres, instalaciones y performance) y FACYL ONLINE, una programación intensa en la red, de acceso gratuito, con el prestigio de numerosos creadores nacionales e internacionales que se han sumado a este viaje cultural y artístico, que dialogarán sobre la diversidad de la creación y sobre el estado de la cultura aportando una mirada plural a la esfera cultural. El festival crea así una plataforma nueva, digital, internacional y compartida que muestra la pluralidad de la creación y la mediación cultural.

Festival Internacional de Las Artes y La Cultura de Castilla Y León

FACYL EN VIVO

La sección FACYL EN VIVO contará con actuaciones de teatro, danza, música, performance e instalaciones, en ocho espacios representativos de la vida cultural y del patrimonio de Salamanca (Casa Lis, Teatro Juan del Enzina, Teatro Liceo, Patio Escuelas Mayores, Patio Chico, Huerto Calixto y Melibea, Palacio La Salina y Centro de Artes Escénicas y la Música). El festival pone en escena 11 espectáculos en vivo con personalidades de primer nivel, entre los que se podrá descubrir los sonidos que esconde el interior de un piano, a través de la genialidad del compositor y cerebro de Zeitkratzer, Reinhold Friedl, con su propuesta ‘Inside Piano’; o bien adentrarnos en la experiencia interactiva que nos propone el artista, director y coreógrafo Klaus Obermaier, con el espectáculo ‘Dancing House’, que acogerá el Patio de Escuelas Mayores. El colectivo de creadores Clammy nos invita a reflexionar sobre el protagonismo de las plataformas digitales en la escena bajo el título ‘A New Time?` y el compositor y artista Alberto Bernal presentará una adaptación específica para FACYL del concierto itinerante ‘Mobile’, en el marco del Huerto de Calixto y Melibea. También estará presente el compromiso contra la discriminación racial y de género y la denuncia frente el abuso de los derechos humanos, a través de trabajos y performance como la que presenta la artista visual y poeta Regina José Galindo, reflejando la situación de tantas mujeres asesinadas en España y en otros países como Guatemala, con su espectáculo ‘Detrás de la Ventana’.

La escena musical contemporánea estará representada con las actuaciones de Lina_Raül Refree, ONoff Ensemble, Neopercusión y Ensemble Flashback. También se podrá ver la obra teatral ‘Qualcosa nascerà da noi’, del gallego Pablo Fidalgo e interpretada por Juan Loriente o ‘PasdedeuX’ una instalación de investigación lingüística que utiliza elementos desechados, concebida para 16 tocadiscos y dos performers. Y dentro de los proyectos visuales que ofrece FACYL destaca el talento del artista Gonzalo Borondo, ampliamente reconocido en el panorama artístico internacional y cuyas obras e instalaciones han recorrido diferentes museos y espacios públicos de las ciudades europeas. Se podrá ver por primera vez en España su instalación ‘NON PLUS ULTRA’, que ha sido cedida expresamente por el Museo de Arte de Roma para el festival.

FACYL ONLINE

La programación en línea del FACYL ofrece en torno a 30 actividades, entre las que destaca 'Conversaciones sobre la Cultura', un programa de encuentros y diálogos en la red entre artistas, profesionales de la gestión cultural y representantes de la cultura de todo el mundo, con destacados nombres de la talla de Laurie Anderson, Steve Reich, Meredith Monk, Milo Rau o Thomas Ostermeier, entre muchos otros. Piezas de teatro creadas para ser disfrutadas en la red, un ciclo de cine documental online y talleres y workshop, presenciales y online.

Ver programa completo.

Fuente: turismocastillayleon.com

La adaptación de nave ferroviaria a equipamiento cultural seleccionado para los premios de Arquitectura FAD y ENOR 2020

miercoles, 9 de septiembre de 2020

El proyecto consiste en adaptar la Nave 3 del Parque Central de València a equipamiento cultural. El edificio fue rehabilitado con anterioridad a este proyecto, comprendiendo los trabajos previos las intervenciones en los cerramientos de fábrica, en las carpinterías exteriores y en la cubierta, pero careciendo del acondicionamiento acústico necesario para un edificio en el que se realizarían actividades escénicas, ya que en ese momento se desconocía cuál iba a ser su uso. La nave se construye en 1917 y se atribuye al arquitecto Demetrio Ribes, siendo un valioso ejemplo del patrimonio ferroviario valenciano, con calificación de Bien de Relevancia Local.

Se propone una intervención que posibilite una gran flexibilidad de uso, permitiendo la realización de distintas actividades de forma simultánea, respetando el carácter industrial de la nave donde se inscribe la actuación.

La adaptación de nave ferroviaria a equipamiento cultural seleccionado para los premios de Arquitectura FAD y ENOR 2020

La nave se divide en cinco crujías, que van a pautar geométricamente el proyecto. Este ritmo estructural, así como la posibilidad de desarrollar dos niveles en altura, son fundamentales en el planteamiento de la propuesta.

La nave posee dos accesos desde el exterior, uno en cada uno de los muros testeros, utilizándose el más próximo a la calle Filipinas como acceso principal, reservando el más alejado como salida de emergencia y punto de acceso para el contenido de las exposiciones o el material escénico.

Tomando como referencia el acceso, la primera crujía comprende un espacio de vestíbulo, con la recepción, las taquillas y el núcleo lineal de comunicación vertical tras una celosía formada por raíles de tren. En el nivel superior se sitúa una sala polivalente, que enriquece la transición del espacio de acceso al espacio principal. Esta pequeña pieza se materializa con cerramientos de vidrio y un techo tensado acústico translúcido, de forma que no se pierda la concepción espacial de la nave.

En la planta baja de la segunda crujía se construye un cuerpo con los aseos, el cuarto de instalaciones y un despacho. La cubierta de este espacio sirve como soporte para ubicar unas gradas, o simplemente como plataforma de uso a una cota elevada.

Las tres crujías restantes dan cabida a un espacio multiusos que permite desarrollar distintas configuraciones escénicas, así como la organización de exposiciones y actividades. Esta flexibilidad se consigue gracias a la disposición de tarimas plegables -que se colocarán en una segunda fase de obra posterior de adecuación a uso escénico- que pueden componerse en distintos niveles generando una topografía artificial, ya que debido a la heterogeneidad de los contenidos previstos, era necesario poder disponer de la superficie en horizontal para realizar exposiciones, un escenario lateral o una configuración con un escenario central para otro tipo de escenografías, incluso una seriación lineal de plataformas.

Dando continuidad y coherencia a la propuesta, se proyecta un mueble perimetral por el que discurren las instalaciones necesarias para dar servicio al conjunto. Este mueble podría definirse como un contenedor complejo que se deforma recogiendo la recepción o las taquillas, que se descompone en fragmentos de muro móvil que serán soporte para las exposiciones y que crece transformándose en los camerinos para los actores y espacios de almacenaje. Este muro móvil y trasdosado perimetral surge también del requisito de Patrimonio de dar un acabado a las partes del muro existente que no estaban pensadas para quedar vistas. Esta superficie de chapa de acero perforada contrasta con las fábricas de ladrillo originales, al tiempo que transforma y acondiciona acústicamente el espacio al uso cultural y escénico previsto.

Las gradas móviles permiten reservar espacios para usuarios con movilidad reducida atendiendo a su número.

A continuación, unas imágenes de los trabajos realizados por Industrias Maquiescenic, para la instalación de un escenario modular desmontable y regulable en altura. La sala polivalente está destinada para representaciones de distinta indole; creando un espacio multifuncional de creatividad artística.

La adaptación de nave ferroviaria a equipamiento cultural seleccionado para los premios de Arquitectura FAD y ENOR 2020
La adaptación de nave ferroviaria a equipamiento cultural seleccionado para los premios de Arquitectura FAD y ENOR 2020
La adaptación de nave ferroviaria a equipamiento cultural seleccionado para los premios de Arquitectura FAD y ENOR 2020

Fuente: arquitecturayempresa.es

El teatro reivindica la cultura como esencial y apela a la valentía

martes, 8 de septiembre de 2020

Después de seis meses de inactividad provocada por la pandemia, el sector de las artes escénicas se ha reencontrado por primera vez este lunes en Málaga, en la XXIII edición de los Premios Max que concede la Fundación SGAE. Más de 500 profesionales de las artes escénicas entre actores, actrices, productores, dramaturgos, empresarios privados, directores de teatros públicos, escenógrafos o diseñadores de iluminación han compartido el 65% de aforo del Teatro Cervantes en una gala dirigida por Elisa Ramos y Joaquín Casanova, fundadores de la compañía andaluza La Maquiné. Una gala presidida por una enorme caracola en un escenario desnudo, bajo el lema 'el arte de escuchar' y conducida por el payaso Chochote, maestro de ceremonias de un reencuentro en el que el sector teatral ha evidenciado de forma colectiva su preocupación por el presente y el futuro.

La cultura como espacio seguro, como “bien esencial y necesario”, como “trabajo en equipo que apela a lo colectivo y a lo público” han sido argumentos frecuentes en los discursos de los premiados en una ceremonia en la que las restricciones de aforos ha sido central en muchos de los agradecimientos: “Que nos dejen llenar los teatros como estaba el avión que nos ha traído a Málaga”, señalaba Tian Gombauy al recoger su Max al mejor espectáculo para público infantil o juvenil o el bailarín y coreógrafo Manuel Liñán (Premio Max del Público), que decía no querer, en el futuro, “diseñar espectáculos para trenes, aviones o autobuses”. “Se nos está desintegrando la cultura, el tejido cultural”, añadía minutos después el presidente de la SGAE, Antonio Onetti, el único que se ha dirigido de forma más o menos explícita al ministro de Cultura, José Manuel Rodríguez Uribes, presente en la ceremonia. “La pandemia ha dejado las artes escénicas como un queso gruyere, lleno de agujeros”, añadía, a su lado, el presidente de la Fundación SGAE, Juan José Solana.

El teatro reivindica la cultura como esencial y apela a la valentía

"Este Max se lo dedico a la valentía, a la de las gentes que van a llenar los teatros, y a la valentía que siempre han demostrado las artes escénicas", decía el compositor Luis Miguel Cobo al recoger uno de los tres Max que ha recibido la gran triunfadora de la noche, ‘Play’, el espectáculo de danza de la compañía Aracaladanza. ‘Shock, el cóndor y el puma’, de Andrés Lima, y ‘Jauría, de Miguel del Arco, lograban ambas dos de las tres manzanas de Brossa a las que optaban. La otra gran favorita, ‘Como los griegos’, de Josep María Mestres, que optaba a tres premios, se ha ido con las manos vacías. Lima, director de ‘Shock’ y Premio Nacional de Teatro, recogía su Max a la Mejor Dirección de Escena reconociendo que “estamos en un momento difícil, por no decir jodido, y necesitamos de audacia para seguir adelante” y dedicando el galardón “a todos los desaparecidos de todas la dictaduras de todos los shock y a sus madres, en España, en Chile, en Argentina, pero sobre todo a la memoria de una persona que ha estado muy presente en este montaje, la memoria de Salvador Allende” mundo y a sus padres, pero sobre todo a la memoria de Salvador Allende”.

Una gala ni demasiado larga ni demasiado divertida en la que, además de las reivindicaciones en torno los efectos de la pandemia, ha habido espacio para el humor, que subía al escenario la actriz Verónica Forqué: “No sé realmente quién me da esto, pero me hace mucha ilusión”, decía la Forqué al recoger su Max a mejor actriz protagonista por su papel en la obra ‘Las cosas que sé que son verdad’, un texto de Andrew Bowell dirigido por Julián Fuentes Reta. La actriz aprovechaba para quitarle seriedad a la gala: “Nunca me emociono así, son las drogas, mi madre debe estar flipando, viva la república, mamí”, ataviada con un vestido estampado con vaginas y pezones, y una de esas bandas que suelen llevar las mujeres que participan en concursos de belleza, pero con las preguntas: “¿Cuántos asientos van a estar ocupados hoy por actores o actrices negros o racializados? ¿Qué visibilidad tienen las personas racializadas en la industria española?”

Lista de premiados

  • Mejor espectáculo de teatro: Jauría (Kamikaze).
  • Mejor espectáculo de danza: Gran Bolero, de Jesús Rubio Gamo.
  • Mejor espectáculo musical o lírico: Doña Francisquita (Teatro de la Zarzuela)
  • Mejor espectáculo de calle: Al otro lado (Zanguango)
  • Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar: Zapatos nuevos (Tian Gombauy LEl Teatre de l’home dibuixat)
  • Mejor espectáculo revelación: El viento es salvaje (Las niñas de Cádiz)
  • Mejor autoría teatral: Josep Lluís y Rodolf Sirera (Dinamarca).
  • Mejor autoría revelación: Marta Arán (Todos los días que mentits)
  • Mejor adaptación o versión de obra teatral: Jordi Casanovas (Jauría) y Joan Sellent (Como los griegos).
  • Mejor dirección de escena: Jordi Casanovas (Andrés Lima (Shock. El Cóndor y el Puma)
  • Mejor actriz protagonista: Verónica Forqué (Las cosas que sé que son verdad).
  • Mejor actor protagonista: Lluís Homar (La nieta del señor Linh).
  • Mejor intérprete femenina de danza: Olga Pericet (Un cuerpo infinito).
  • Mejor intérprete masculino de danza: Marco Flores (Origen).
  • Mejor composición musical para espectáculo escénico: Luis Miguel Cobo (Play)
  • Mejor coreografía: Sara Cano (Vengo).
  • Mejor diseño de espacio escénico: Beatriz San Juan (Shock. El Cóndor y el Puma).
  • Mejor diseño de vestuario: Elisa Sanz (Play).
  • Mejor diseño de iluminación: Pedro Yagüe (Play).
  • Premio Max aficionado o de carácter social: Escuela Municipal de Teatro ‘Ricardo Iniesta’ de Úbeda.
  • Premio Max del Público: ’Viva’, de Compañía Manuel Liñán.
  • Premio Max de Honor: Nacho Duato

Fuente: arquitecturayempresa.es

Reabre el primer teatro de la Gran Vía con un homenaje a Michael Jackson

martes, 11 de agosto de 2020

El Teatro EDP Gran Vía es el primero en abrir sus puertas tras la pandemia y lo hace con el espectáculo 'I WANT YOU BACK', homenaje al rey del Pop

Reabre el primer teatro de la Gran Vía con un homenaje a Michael Jackson

El ‘Brodway madrileño’. Por sus teatros y musicales, así era como muchos apodaban a la emblemática Gran Vía de Madrid. Al inicio de la pandemia los teatros cerraron y se cancelaron todos los espectáculos. El pasado día 5 de agosto, el Teatro EDP Gran Vía era el primero en volver a abrir sus puertas con el espectáculo homenaje a Michael Jackson, 'I WANT YOU BACK'.

La primera función fue aún más especial, pues las butacas del teatro estaban ocupadas por sanitarios, policías, transportistas, personal de limpieza y personal de supermercados. Para Noemí Montes, su productora, es una forma de homenajear a los colectivos que han trabajado durante estos meses contra el Covid19.

El equipo lleva casi 5 meses sin pisar un escenario y sin escuchar los aplausos del público. Debido a las diferentes fases de la desescalada según las provincias, los músicos y bailarines llevan tan sólo dos semanas ensayando juntos. Adrián Álvarez es el bailarín que da vida a Michael Jackson en los escenarios, pero durante el confinamiento no ha dejado de trabajar: "He tenido clases online con uno de los bailarines del espectáculo 'This Is It'", cuenta agradecido por poder poner en práctica esos conocimientos y tener la oportunidad de representar a su ídolo.

El equipo de 'I WANT YOU BACK' han sido los primeros valientes en retomar los espectáculos, pero las funciones se realizarán bajo el cumplimiento de todas las medidas de seguridad e higiene. En la entrada hay varios geles hidroalcohólicos a disposición del público y las entradas y salidas del teatro estarán debidamente controladas para evitar aglomeraciones. Además, las salas se desinfectan antes y después de cada función, y en cada butaca hay un código QR para que los espectadores se descarguen los folletos de cada espectáculo.

Las mascarillas son, por supuesto, obligatorias en todo momento. Incluso los bailarines y el resto del elenco las llevan puestas durante los ensayos. Además de las mascarillas, Gonzalo Pérez, productor, explica que se hacen test PCRs a todo el equipo: "se hicieron ayer a toda la compañía, técnicos y personal del teatro, y todos dieron negativo".

Con su nombre, 'I WANT YOU BACK', el espectáculo parece animarnos a volver a llenar teatros, musicales, salas de cine y, en definitiva, a disfrutar de la cultura como antes. Desde el 5 de agosto hasta el 27 de septiembre Adrián, nuestro Michael Jackson, anima al público a ir a ver el musical, "un sueño" para todos los públicos.

La pandemia abre una nueva era teatral

jueves, 9 de julio de 2020

Destacados creadores reflexionan sobre los formatos surgidos en la cuarentena, mezcla de artes escénicas y audiovisuales. El CDN apuesta por el ‘streaming’ y HBO anuncia una serie híbrida

La pandemia abre una nueva era teatral

La pandemia del coronavirus ha abierto una nueva era en las artes escénicas. Los meses de confinamiento han propiciado una relación inesperada de este viejo arte milenario con las tecnologías audiovisuales y digitales que ha alumbrado formatos híbridos, que beben tanto del lenguaje teatral como del cinematográfico y el televisivo, a los que todavía nadie se atreve a etiquetar, pero con muchas posibilidades de futuro. No solo se han publicado centenares de filmaciones de espectáculos representados en el pasado, sino que muchos artistas se han lanzado a crear nuevas obras concebidas específicamente para su exhibición por Internet.

La exploración ha sido tan fructífera, que ahora que está volviendo la actividad a los escenarios nadie se plantea abandonarla. Este mismo martes la cadena de televisión HBO España anunció un proyecto en esta línea liderado por Irene Escolar y Bárbara Lennie, dos actrices reputadas tanto en el teatro como en el cine, que también participan como productoras. No quieren dar detalles todavía, solo que será una serie antológica de seis episodios que mezclarán ambas disciplinas y que se emitirán en otoño, agrupados bajo el título de Escenario 0.

En el mundo de la escena también hay movimientos en este sentido. Los principales teatros del mundo ya han anunciado su intención de mantener en el futuro “salas virtuales” como complemento a su programación presencial. Uno de ellos es el Centro Dramático Nacional (CDN), la mayor institución de producción pública española, que ha ideado un ciclo de obras escritas expresamente para ser vistas en streaming, en el que ha implicado a grandes nombres de la escena nacional. Empezando por su director, Alfredo Sanzol, que inauguró el ciclo el 26 de junio, hasta Juan Mayorga, Pablo Remón, Lucía Carballal, Pau Miró, Denise Despeyroux, Andrea Jiménez, Noemi Rodríguez y Victoria Szpunberg, además de una veintena de destacados actores.

El ciclo se compone de nueve piezas cortas escritas en los últimos dos meses que se agrupan en tres espectáculos en torno a tres conceptos relacionados con la pandemia y que dan título a cada uno de ellos: La conmoción, La distancia y La incertidumbre. Se representan a puerta cerrada ante varias cámaras para su emisión en directo por Internet, algo inimaginable cuatro meses atrás.

¿Cómo llamar a esto? ¿En qué se diferencia de cualquier otra creación audiovisual? ¿Y del teatro presencial? EL PAÍS reunió la semana pasada en el teatro María Guerrero de Madrid (sede del CDN) a seis de los creadores que participan en el ciclo para recoger sus impresiones. La principal es que todos se sienten aprendices de un nuevo lenguaje sobre el que no hay nada escrito. Un género mestizo que rompe las costuras del teatro y la creación audiovisual.

“Nunca había visto el escenario con la intensidad con que lo he visto en este trabajo. El hecho de usar la cámara no desde el tiro del público como se haría en una grabación tradicional sino siguiendo a los actores me dio una libertad inesperada, hasta el punto de que decidí ampliar el escenario: me di cuenta de que podía usar los camerinos, el patio de butacas, el teatro entero”, resume Sanzol, cuya obra recoge su propia experiencia como enfermo de coronavirus. La fiebre, el desconcierto, el miedo.

Pablo Remón, que además de dramaturgo y director es un reputado guionista, confiesa que le ha dado muchas vueltas al formato. “Precisamente porque he trabajado mucho en el cine, desconfío de la imagen en el teatro. Si hay una cámara, la cámara manda. Y justamente lo que me gusta del teatro es que la imagen no viene dada, sino que se construye en la cabeza del espectador. Por eso lo que más he intentado mantener en mi pieza para este ciclo es la metáfora, la invitación a la imaginación”, explica Remón.

Algo parecido le pasó a la dramaturga Lucía Carballal, que también es guionista de cine y televisión. “Hasta ahora siempre había tenido el lenguaje teatral y el audiovisual muy separados en mi cabeza. Creo que son técnicas muy diferentes y me ha costado mucho mezclarlas. La verdad es que hasta que no lo vea con distancia, no voy a saber qué he hecho. Lo que sí puedo decir es que mi obra empieza de una manera hiperrealista, como lo haría cualquier serie televisiva, pero luego evoluciona hacia un lenguaje más metafórico”, apunta Carballal.

La dimensión metafórica del teatro parece ser clave. Lo subraya también Sanzol: “Al contrario que el cine, donde los lugares en los que transcurren las escenas son literales, en el teatro el espacio siempre es imaginario, claramente los actores están en un escenario y tenemos que imaginar que están donde dicen que están. Eso dispara el lenguaje y las posibilidades de uso de la cámara”.

“¡Qué absurdo! ¡Qué gran estupidez es entregar nuestra alma a un teatro vacío!”. Fue lo primero que pensó el dúo formado por Andrea Jiménez y Noemi Rodríguez cuando recibió la oferta del CDN para escribir y dirigir una pieza dentro de este ciclo. “Pero enseguida nos dimos cuenta de que esa contradicción revelaba algo maravilloso: el teatro vacío es el espejo de lo que le ha pasado a sociedad en estos meses, el encuentro que no puede suceder. Y la función a puerta cerrada es de alguna manera la representación de lo que cada persona ha vivido en su casa durante el confinamiento”, reflexiona Jiménez. Rodríguez añade: “Por eso quizá nos ha salido una obra autorreferencial sobre la cuestión de cómo hacer teatro en esta nueva época, que en realidad es lo mismo que se pregunta cualquier persona en cualquier ámbito: ¿cómo nos acercamos ahora a los demás?”.

Denise Despeyroux, autora de una de las tres piezas que componen La incertidumbre, ha recurrido también a la metáfora y ha echado mano de la ciencia-ficción para escribir su pieza. “Durante el confinamiento he leído y oído a tanta gente (incluidos filósofos que admiro) emitir sentencias sobre cómo va a ser el futuro a partir de ahora, que cuando me puse a escribir sentí la necesidad de tomar distancia. Creo que es difícil escribir sobre esto que nos ha pasado teniéndolo todavía tan cerca. Ya que el teatro te permite volar a cualquier lugar, decidí situar mi obra en otra galaxia”, comenta la dramaturga.

¿Y cómo se siente una actriz representando una obra ante un teatro vacío? Habla Fernanda Orazi, una de las protagonistas de La conmoción:” No me lo planteé durante los ensayos. No me di cuenta hasta que empezaron a venir las cámaras, así que el trabajo previo fue igual que siempre. Pero el día que finalmente emitimos en directo la función, no pude imaginarme a los espectadores en sus casas y sentí una especie de pena que emanaba del patio de butacas vacío. Para mí fue como hacerle al teatro una respiración boca a boca para que aguante hasta que volvamos”.

Fuente: elpais.com

Cirque du Soleil se declara en quiebra golpeado por la pandemia

martes, 30 de junio de 2020

La compañía arrastraba una deuda de 800 millones de euros. Despedirá a 3.480 empleados, pide protección frente a los acreedores, anuncia una reestructuración y asegura que volverá.

Cirque du Soleil se declara en quiebra golpeado por la pandemia

La empresa canadiense, Cirque du Soleil, una de las compañías de espectáculos más grandes y conocidas del mundo, se declaró en quiebra por los efectos devastadores de la crisis de la COVID-19. Despedirá a 3.840 empleados, un 95% de su personal, establecerá fondos por 20 millones de dólares (17,8 millones de euros) para compensar al personal y contratistas. También se enfrenta a la suspensión de pagos.

Sin embargo, Cirque du Soleil, promete que éste no es un adiós definitivo y que tiene "la intención de volver a contratar una sustancial mayoría de los empleados despedidos, cuando lo permitan las condiciones económicas, una vez que se cancelen los cierres obligatorios y se puedan reiniciar las operaciones".

Obligada a cancelar desde el inicio de la pandemia los 20 espectáculos que tenía repartidos por todo el mundo, no ha podido resistir la dureza de los efectos devastadores de la inactividad. Entre los 20 espectáculos en marcha, estaba el dedicado a Leo Messi, 'Messi 10', que estaba en cartel en Argentina y que se estrenó el año pasado en Barcelona.

La complicada situación financiera no era nueva para la empresa de espectáculos, que la pandemia se ha encargado de apuntillar. La compañía arrastraba una deuda de unos 900 millones de dólares (800 millones de euros), fruto del acuerdo de 2015 valorado en 1.500 millones de dólares (1.335 millones de euros) por el que el fondo de inversiones estadounidense TPG se hizo con una participación mayoritaria de la compañía.

La participación de la empresa se reparte de la siguiente manera: el fondo de inversiones TPG tiene un 55%, Fosun controla el 25% y la entidad financiera Caisse de Depot et Placement du Quebec, el 20% restante.

La compañía aclara que la quiebra no representa el fin del Cirque du Soleil. En un comunicado anunció que ha pedido la protección judicial contra sus acreedores y que ha solicitado reestructurar la compañía con el fin de volver con su actividad. Así lo asegura en las redes sociales. "Por ahora, nuestras actuaciones están paradas, pero esto es solo un intermedio. Pronto los focos volverán, iluminando el escenario y sonando un eco de vítores, no solo del público, sino también del escenario. mientras celebramos nuestro regreso juntos. Tan seguro como sale el sol todos los días, el Cirque du Soleil volverá, más brillante que nunca".

Vuelven los festivales tras la crisis sanitaria

viernes, 5 de junio de 2020

Vuelven los festivales tras la crisis sanitaria

Los Teatros del Canal comienzan su cuenta atrás: abrirán puertas el 17 de junio

"Madrid en Danza" celebrará su XXXV edición con la reapertura de los teatros en la comunidad de Madrid.

Festival Madrid en Danza

Los Teatros del Canal se suman a la vuelta a la paulatina normalidad cultural en la región. Tras el cierre provocado por la crisis del COVID-19, la Comunidad de Madrid aprovechando la fase 1 para reabrir al público, a partir del próximo 17 de junio, este emblemático espacio escénico de Madrid capital. Una decisión que lo convierte en el primer teatro de la región y uno de los primeros en España que alza el telón tras el confinamiento. La actividad de los Teatros del Canal dará comienzo con el festival 'Madrid en Danza', que este año celebra su XXXV edición bajo la dirección de la bailarina y coreógrafa Aída Gómez.

Una vuelta, como poco, poética, ya que los Teatros del Canal fueron los últimos en bajar el telón. Aguantaron, como recordaba la consejera de Cultura y Turismo del Gobierno regional, Marta Rivera de la Cruz,"hasta el último momento", y "siempre dijimos que abriríamos en cuanto nos fuera posible". Así ha sido. De la Cruz asegura que, para la vuelta, es fundamental actuar con "responsabilidad por parte de todos”. “Como teatro público", proseguía, "nos debemos a todos los ciudadanos que lo sostienen", por lo que "pedimos ahora a los madrileños su colaboración, su paciencia y su cariño para afrontar esta nueva etapa".

La delegada reconocía que, con esto, se entra en "un terreno que no conocemos", y lo importante es que la actividad pueda volver "con todas las garantías" posibles. De este modo, la reapertura del centro tendrá lugar bajo estrictas medidas de seguridad e higiene, a través de un protocolo creado al efecto y que garantiza la seguridad, tanto del público como de sus trabajadores. Un protocolo para cuya puesta en marcha la directora de los Teatros del Canal, Blanca Li, ha estado en contacto con otros teatros europeos, siguiendo con atención las propuestas que se han hecho en esta materia.

Entre otras medidas, será obligatorio el uso de mascarillas en el interior del recinto, el aforo será reducido y las entradas tendrán formato digital. “Los Teatros del Canal actuarán como laboratorio en esta era de las artes escénicas post-COVID", indicaba la consejera. "Todo lo que aprendamos lo compartiremos, por supuesto, con todos los teatros públicos y privados que nos lo demanden”.

Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro

Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro

Rosa Ana Rodríguez, consejera de Educación, Cultura y Deportes, ha mostrado la satisfacción del Gobierno regional por la decisión adoptada el pasado día 3 de junio en una reunión telemática de la Fundación del Festival de celebrar este año el festival a pesar de la crisis sanitaria provocada por el Covid-19.

Y es que, en el seno de esta Fundación a la que pertenece la Consejería de Educación, Cultura y Deportes, se ha decidido que la 43 edición de este Festival Internacional tenga lugar, siempre respetando las normas establecidas por las autoridades sanitarias, del 14 al 26 del próximo mes de julio.

Rodríguez ha explicado que la de este año será una edición especial, en la que se ha producido un ajuste sustancial tanto en las fechas como en la programación manejada en un primer momento. Recordar que en un principio estaba previsto que se celebrara del 2 al 26 de julio.

El GREC prepara una edición especialmente inclusiva y bacelonesa

miercoles, 20 de mayo de 2020

El GREC prepara una edición especialmente inclusiva y bacelonesa

En plena crisis de la COVID-19, el Grec Festival de Barcelona refuerza su apoyo al tejido artístico barcelonés y catalán con una programación de unos ochenta espectáculos especialmente centrada en la creación local, un carácter inclusivo que se traduce en un precio reducido, una apuesta por nuevos formatos y una localización centrada especialmente en la montaña de Montjuïc.

Son algunas de las decisiones anunciadas en rueda de prensa por el teniente de alcalde del área de Cultura, Educación, Ciencia y Comunidad, Joan Subirats, y el Delegado de Derechos Culturales, Dani Granados. Ambos han anunciado que el Grec Festival de Barcelona mantiene su presupuesto de 3,3 millones de euros, una cifra que servirá para ofrecer apoyo a las compañías y artistas locales, para seguir colaborando con agentes de la ciudad como por ejemplo teatros públicos y privados, productoras o espacios culturales diversos, para presentar muchas producciones que se verán durante la próxima temporada teatral y, en definitiva, para dinamizar el sector en un momento especialmente delicado.

En el Grec podremos ver este año unas cincuenta coproducciones del festival con artistas y compañías locales, a los cuales se sumará una quincena de espectáculos de la temporada actual que se deberían haberse llevado a escena estos días pero que han tenido que ser cancelados a causa de la crisis de la COVID-19. Completa la programación una quincena más de espectáculos procedentes de fuera de Catalunya.

Los espectáculos programados tendrán, vista la situación excepcional que vivimos y su impacto en las economías domésticas, un precio único de 15 euros que quedarán reducidos a 5 euros en el caso de los espectáculos de carácter familiar.

¿Qué espacios acogerán las representaciones cuando tengan lugar de manera física? Principalmente, los escenarios públicos que están situados en la montaña de Montjuïc, empezando por un Teatre Grec que se reabrirá con las condiciones que marquen este verano las autoridades sanitarias.

Otros teatros de titularidad pública de la montaña de Montjuïc, concretamente el Mercat de les Flors y el Teatre Lliure, habilitarán las salas de mayores dimensiones para acoger muchos de los espectáculos que habían sido programados inicialmente en espacios más reducidos. También el Teatre Nacional de Catalunya acogerá representacions pero, además, museos de la ciudad como el Museu Nacional d'Art de Catalunya, el Centre de Cultura Contemporània, el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), el Born Centre de Cultura i Memòria y el Museu Marítim de Barcelona, se convertirán en escenarios del Grec, puesto que son recintos que permiten un control fácil de los accesos y del aforo.

Visto el carácter excepcional de la crisis sanitaria que vivimos y la aparición de propuestas que exploran nuevos formatos escénicos, el Grec Festival de Barcelona ofrecerá también actividades y experiencias escénicas en línea. Igualmente, muchas de estas propuestas pasarán a formar parte de un archivo que garantizará su máxima difusión.

Si, de todas maneras, algunas de las producciones previstas en el Grec no se pudieran representar durante julio o agosto, se integrarían un nuevo programa, De Grec a Grec, que permitiría que se representaran posteriormente en teatros y festivales, siempre con la etiqueta del festival de Barcelona.

Finalmente, se recuerda a los espectadores y espectadoras que la pasada Navidad compraron el Vale regalo 2020 del festival que podrán optar por intercambiar su vale por entradas, tal como estaba previsto, o bien por la devolución del importe de la compra. Estos espectadores recibirán próximamente un correo en la dirección de e-mail que facilitaron durante el proceso de compra, con indicaciones sobre cómo proceder en uno u otro caso.

Artes escénicas desde el sofá para celebrar el Día Mundial del Teatro 2020

lunes, 23 de marzo de 2020

Artes escénicas desde el sofá para celebrar el Día Mundial del Teatro 2020

Los teatros bajaron el telón, pues toca quedarse en casa, disfrutar de actividades en el hogar libros, películas, series… en compañía de familiares y vecinos.

Este tiempo también puede aprovecharse para descubrir esa cultura olvidada para muchos, esa que en unos días celebra una edición muy particular y extraña de su día más internacional. El día Mundial del Teatro y en general las artes escénicas.

Para esto Teatroteca, pone de forma completamente gratuita mas de 1.600 obras, danzas y espectáculos a través de su plataforma. Es su manera de volver a abrir el telón, de dar voz al arte del escenario y de hacerlo llegar a nuestras pantallas con una simple suscripción.

Esta iniciativa fue un completo éxito pues el número de suscriptores aumento en un 10% entre el viernes 13 de marzo y el domingo 15, colapsando de esta forma la plataforma y dificultando el acceso a esta.

Más datos que hablan de este éxito entre la población es que desde la caída del telón por un tiempo, la petición de obras en esta plataforma se ha triplicado.

Y sí, como no se le escapa a nadie, estos días van de luchar. "Vivimos en estos días un reto como sociedad, sí, pero ese reto se compone de millones de retos individuales, esto es, la manera en que cada uno de nosotros afrontará esta crisis. Y de eso, de esa lucha y del individuo en crisis, ya sea para sobrecoger, hacer reír, cantar o poner ante nuestros ojos nuestras costumbres, grandezas y miserias trata el teatro. Un arte por definición colectivo, por otra parte. Por todo ello, en un momento en que tanto nos necesitamos unos a otros, el escenario es una impresionante fuente de energía moral y vital para todos".

¿QUÉ ES Y QUÉ NOS ENCONTRAREMOS?

Teatroteca nació como plataforma de investigación y lleva abierta al público desde el año pasado. Funciona como un sistema de préstamo bibliotecario: tú te registras y "reservas" la obra que quieres ver y a la que tendrás acceso durante dos días para luego "devolverla" a la plataforma.

¿Qué pasa si el vídeo que queremos ya está prestado a otro usuario? Que deberemos ponernos en la lista de espera hasta que vuelva a estar disponible. De hecho, ante la alta demanda que está registrando la plataforma, desde el CDAEM han propuesto a los usuarios de este servicio devolver los títulos prestados nada más verlos, para que más espectadores puedan acceder a ellos.

De entre las más de 1.600 piezas, no solo los adultos van a ir servidos de grandes clásicos y obras recientes, sino también los más pequeños de la casa que podrán disfrutar de teatro de títeres, obras musicales, cuentos escenificados, versiones rompedoras de historias tradicionales, obras basadas en la imagen sin apenas texto...

"En la página principal de la Teatroteca hemos creado una sección, Teatro para la infancia, con algunas de estas obras. Entre ellas hay compañías que han obtenido el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud, y grandes profesionales de este género. No son solo las que se ve en la página principal, hay más en el catálogo al que se accede a través del buscador", cuentan Javier y Berta.

Artes escénicas desde el sofá para celebrar el Día Mundial del Teatro 2020

Mucho se está hablando de los niños y poco de los adolescentes. Sin embargo, desde el CDAEM no se han olvidado de ellos y han creado una sección denominada Teatro para jóvenes. "Los jóvenes de 12 o 14 años pueden ver historias representadas sobre temas que les interesan, tanto aquellas que han sido escritas expresamente para ellos como aquellas del teatro universal que nos interesan y nos afectan a todos nosotros”.

Porque, como subrayan Javier y Berta, "ver teatro en la pantalla es una buena forma de iniciarse en el conocimiento de este arte, fundamental en nuestra cultura, y también de reflexionar sobre el comportamiento humano. Y también de divertirse y de reírse de nosotros mismos, que al fin y al cabo es uno de los elementos fundamentales de la comedia (hay muchas comedias en esta Teatroteca, por cierto)".

Iniciarse en un arte está muy bien y también reírse de uno mismo; pero el teatro va más allá, el teatro nos enseña la empatía, nos humaniza. "Nos ayuda a comprender el comportamiento de los demás y, por tanto, nos humaniza; nos hace más inteligentes, más flexibles, más permeables. Es muy necesario en estos tiempos en los que asoman el fanatismo y la rigidez donde menos se espera. Y estar familiarizados con este arte desde niños no es poca cosa", concluyen.

Además, el Centro de Documentación de las Artes Escénicas y Música ha puesto a disposición de los usuarios las revistas digitales Figuras, Arriba el Telón y Don Galán en las que pueden leerse entrevistas con diferentes creadores y gestores de las artes escénicas.

Accede a Teatroteca

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2020, por Shahid Nadeem

jueves, 12 de marzo de 2020

Mensaje del Día Mundial del Teatro 2020, por Shahid Nadeem

El Instituto Internacional del Teatro (International Theatre Institute ITI) ha dado a conocer el Mensaje del Día Mundial del Teatro correspondiente a 2020, cuyo autor es el galardonado dramaturgo pakistaní Shahid Nadeem, fundador y director del Ajoka Theatre.

El teatro como santuario

"Al final de una representación de la obra de teatro de Ajoka sobre el poeta sufí Bulleh Shah, un anciano, acompañado por un niño, se acercó hasta el actor que había interpretado el papel del gran sufí. "Mi nieto no se encuentra bien, ¿podría bendecirlo?", dijo. El actor se sorprendió y contesto: "No soy Bulleh Shah, solo soy un actor que interpreta el papel". El anciano entonces contestó: "Hijo, no eres un actor, eres una reencarnación de Bulleh Shah, su Avatar.

De repente, se nos ocurrió un concepto completamente nuevo de teatro, donde el actor se convierte en la reencarnación del personaje que interpreta.

Explorar historias como la de Bulleh Shah, historias como ésta existen en todas las culturas y pueden convertirse en un puente entre nosotros, los creadores de teatro, y una audiencia desconocida pero entusiasta.

Mientras actuamos en el escenario, a veces nos dejamos llevar por nuestra filosofía del teatro, en nuestro papel como precursores del cambio social a veces dejamos atrás a gran parte de la comunidad.

En nuestro compromiso con los desafíos del presente, nos privamos de las posibilidades de una experiencia espiritual profundamente conmovedora que el teatro puede proporcionar.

En el mundo de hoy donde la intolerancia, el odio y la violencia están en aumento, nuestro planeta se está hundiendo cada vez más en una catástrofe climática, necesitamos reponer nuestra fuerza espiritual.

Necesitamos luchar contra la apatía, el letargo, el pesimismo, la avaricia y el desprecio por el mundo en que vivimos, por el planeta en el que vivimos.

El teatro tiene un papel, un papel noble, debe dinamizar y hacer avanzar a la humanidad, ayudarla a levantarse antes de que caiga en un abismo.

El teatro puede convertir el escenario en un templo, el espacio de actuación, en algo sagrado. En el sur de Asia, los artistas tocan con reverencia el piso del escenario antes de pisarlo, una antigua tradición en la que lo espiritual y lo cultural estaban entrelazados.

Es hora de recuperar esa relación simbiótica entre el artista y el público, el pasado y el futuro. Hacer teatro puede ser un acto sagrado y los actores pueden convertirse en los avatares de los roles que desempeñan."

Yahaira SALAZAR, dramaturgo, Centro ITI Venezuela.

Instituto Internacional de Teatro ITI.
Organización Mundial para las Artes de la Escena.

Marzo, un mes muy señalado para las Artes Escénicas

lunes, 2 de marzo de 2020

Marzo, un mes muy señalado para las Artes Escénicas

El 27 de marzo se celebra el Día Mundial del Teatro. Fue creado por el Instituto Internacional del Teatro (ITI) en 1961.

Durante este día se celebran en todo el mundo actos y eventos relacionados con la escena. Uno de los más importantes es el mensaje internacional por parte de una figura de talla mundial por invitación del ITI. En este mensaje, una persona de relevancia comparte sus reflexiones acerca de la cultura y el teatro.

La primera vez que se celebró el Día Mundial del Teatro, en 1962 fue el poeta, dramaturgo y cineasta francés Jean Cocteau quien pronunció el famoso Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro. Después, otros nombres destacados le siguieron como Arthur Miller, Laurence Olivier, Pablo Neruda, Richard Burton, Antonio Gala, Humberto Orsini, John Malkovich o Darío Fo.

El Instituto Internacional del Teatro anima a toda la sociedad a celebrar el Día Mundial del Teatro: teatros, centros e instituciones de las artes escénicas, universidades, instituciones gubernamentales, ministerios de cultura, profesionales o amantes del teatro de todo el mundo están invitados a celebrar el Día Mundial del Teatro.

El ITI recomienda a las personas e instituciones que deseen organizar una celebración por el Día Mundial del Teatro lo comuniquen con el Centro ITI o Miembro Cooperante en su país o región. La lista con la dirección de los miembros se puede encontrar en el directorio en la página web www.iti-worldwide.org. Si alguien organiza un evento y envía la información a info@iti-worldwide.org, dicho evento aparecerá en el sitio web del Instituto Internacional del Teatro ITI. También puedes leer/escuchar el mensaje del orador elegido y difundirlo a través de los medios sociales utilizando el hashtag #diamundialdelteatro

Los objetivos del Día Mundial del Teatro son:

  • Promover el teatro en todas sus formas alrededor del mundo.
  • Crear conciencia sobre el valor del teatro.
  • Permitir que la comunidad teatral promueva su trabajo a gran escala, para que los gobiernos y los líderes de opinión sean conscientes del valor y la importancia del teatro en todas sus formas, con el objetivo de obtener más apoyo.

Es buen día para recordar las sabias palabras de Federico García Lorca:
« El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse humana, habla y grita, llora y se desespera ».

24 Festival de Jerez 2020

jueves, 20 de febrero de 2020

24 Festival de Jerez 2020

El Festival de Jerez ofrece una amplia y cualificada muestra de la manifestación artística más genuina y significativa de esta ciudad andaluza: el flamenco. El Festival de Jerez hace una apuesta dedicada por la evolución creadora del flamenco, por el desarrollo de sus formas expresivas y por la modernización –desde la tradición— de sus lenguajes.

El Festival propicia el encuentro y el mestizaje, apoyando la actividad creativa de los artistas empeñados en encontrar nuevos caminos estéticos y expresivos para el flamenco del Siglo XXI.

Del 21 de febrero al 7 de marzo de 2020 se celebra la 24 edición en el Teatro Villamarta, Sala Compañía, Sala Paúl, Bodega González Byass...

Para ver la programación completa, localidades y abonos entra en este enlace.

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